TARSILA DO AMARAL

TARSILA DO AMARAL
INFÂNCIA E APRENDIZADO

Tarsila do Amaral nasceu em 1 de setembro de 1886, no Município de Capivari, interior do Estado de São Paulo. Filha do fazendeiro José Estanislau do Amaral e de Lydia Dias de Aguiar do Amaral, passou a infância nas fazenda



s de seu pai. Estudou em São Paulo, no Colégio Sion e depois em Barcelona, na Espanha, onde fez seu primeiro quadro, 'Sagrado Coração de Jesus', 1904. Quando voltou, casou-se com André Teixeira Pinto, com quem teve a única filha, Dulce.



Em janeiro de 1928, Tarsila queria dar um presente de aniversário especial ao seu marido, Oswald de Andrade. Pintou o 'Abaporu'. Quando Oswald viu, ficou impressionado e disse que era o melhor quadro que Tarsila já havia feito. Chamou o amigo e escritor Raul Bopp, que também achou o quadro maravilhoso. Eles acharam que parecia uma figura indígena, antropófaga, e Tarsila lembrou-se do dicionário Tupi Guarani de seu pai. Batizou-se o quadro de Abaporu, que significa homem que come carne humana, o antropófago. E Oswald escreveu o Manifesto Antropófago e fundaram o Movimento Antropofágico. A figura do Abaporu simbolizou o Movimento que queria deglutir, engolir, a cultura européia, que era a cultura vigente na época, e transformá-la em algo bem brasileiro.

Outros quadros desta fase Antropofágica são: 'Sol Poente', 'A Lua', 'Cartão Postal', 'O Lago', 'Antropofagia', etc. Nesta fase ela usou bichos e paisagens imaginárias, além das cores fortes.

A artista contou que o Abaporu era uma imagem do seu inconsciente, e tinha a ver com as estórias de monstros que comiam gente que as negras contavam para ela em sua infância. Em 1929 Tarsila fez sua primeira Exposição Individual no Brasil, e a crítica dividiu-se, pois ainda muitas pessoas ainda não entendiam sua arte.



Tarsila participou da I Bienal de São Paulo em 1951, teve sala especial na VII Bienal de São Paulo, e participou da Bienal de Veneza em 1964. Em 1969, a mestra em história da arte e curadora Aracy Amaral realizou a Exposição, 'Tarsila 50 anos de pintura'. Sua filha faleceu antes dela, em 1966.

Tarsila faleceu em janeiro de 1973.

QUEM SOU EU

QUEM SOU EU

Marcia Azevedo Guio

Sou professora de Artes, casada, três filhos lindos e amados e um esposo muito amigo e amado! Gosto de arte e música, adoro minha família e minha casa,gosto de animais de estimação, especialmente os meus cachorros,trabalho na comunidade, e igreja,amo minha vida e agradeço à Deus pelo seu amor por nós. Agradeço aos meus alunos que a cada dia me ensinam mais, e a todos  que me cercam.

COMO LER UMA OBRA DE ARTE?

COMO LER UMA OBRA DE ARTE?

COMO LER UMA OBRA DE ARTE

Sérgio Cunha

É possível ler uma obra de arte? Sim! Do mesmo jeito que aprendemos a ler, decodificar a linguagem verbal, ou seja, as letras, palavras, frases, etc, precisamos aprender a ler obras de Arte.

E como realizar a leitura de uma obra de Arte? É muito importante ressaltar que não existe um único caminho para a leitura de obras de Arte, mas ...

...durante essa leitura é importante levantar aspectos relacionados a:

Leitura Formal: observar os elementos que compõem, formam a obra de Arte, ou seja, os elementos expressivos, como a linha, a cor, o volume, a perspectiva.

Meninas a ler
Pablo Picasso

Leitura Interpretativa: este é um momento muito rico, em que não existe certo nem errado. Durante esta leitura é possível a cada espectador colocar o que pensa sobre a obra que está vendo, pois cada ser humano percebe, vê e sente uma obra de Arte de acordo com sua história de vida, com o que já sabe e conhece sobre arte.

Contextualização Histórica: localizar a obra no tempo histórico e no espaço, observando o tema, os significados, ou seja, os contextos em que foi criada, auxiliando na compensação e no significado da obra em questão.

Os Operários
Tarsila do Amaral

Quando apreciamos produções artísticas, esses aspectos acabam por interagir uns com os outros, pois a leitura de uma obra de arte é percebida, sentida e significada a partir de nossos conhecimentos, vivências e percepções. Ao fruir a produção artística da humanidade, estamos realizando um diálogo com o mundo.

"Vivência de vida"

Quanto mais estivermos em contato com obras de Arte, mais nos aprofundamos nessa linguagem e conseqüentemente em sua leitura, mais ampliamos nosso repertório, conhecimento e compreensão da produção de Arte da humanidade, quer seja em museus, galerias, exposições, ou até mesmo através de reproduções, pois em alguns casos a presença frente às originais não é possível.

Ler é atribuir significados a algum texto, no caso de obras artísticas, estamos falando de textos visuais, que são lidos a partir do momento que começamos a estabelecer relações entre as situações que nos são impostas pela nossa realidade e de nossa atuação frente a estas questões, na tentativa de compreendê-las e resolve-las. A leitura se torna real quando estabelecemos essas relações.

Cândido Portinari

Cândido Portinari nasceu em Brodoski, interior de São Paulo, em 1903. Seus pais eram italianos e vieram para o Brasil esperando melhorar de vida. O primeiro emprego que conseguiram foi numa lavoura de café.

Muitos artistas dedicam a vida ao registro da cultura de seu povo e de seu país. No Brasil, Portinari foi um deles. Esse quadro, por exemplo, foi muito importante para a carreira de Candido Portinari e para as artes plásticas no Brasil. E ainda foi premiado nos Estados Unidos!

Café - Portinari

OBRA

A obra revela claramente um Portinari preocupado com a vida dos trabalhadores rurais. A rotina do trabalho, as roupas, as dificuldades, tudo ficou registrado. O ambiente rural ,mostra uma fazenda de café. porém mais que tudo, ele nos faz perceber o árduo trabalho do campo.

Observe a cor marrom predominante na tela. não há céu, não há horizonte... Há, sim, uma fila interminável de trabalhadores. Podemos até imaginar seus movimentos. Portinari nos intriga quando deixa apenas o rosto de um dos trabalhadores à mostra, mistura a terra aos corpos, mostra o jeito autoritário do capataz. Uma tela com movimento, força e drama!

SUA VIDA

Aos 15 anos, (1919), foi estudar na Escola Nacional de Belas-Artes, no Rio de Janeiro. Como possuía pouco dinheiro, foi morar numa pensão: seu quarto era, na verdade, um banheiro! Certo dia, dormindo dentro da banheira, acordou todo molhado: a caixa d água havia arrebentado e a água foi o seu despertador!

Assim, Portinari ia vivendo com grandes dificuldades financeiras, mas sua vontade de vencer era tão forte, que ele superou tudo.

Portinari participou de diversos concursos. Em 1828 foi finalmente premiado, com uma viagem à Europa, pelo retrato que pintou de Olegário Mariano, poeta pernambucano.

Retrato do Poeta Olegário Mariano - Pintura a óleo/tela – 1928

Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, RJ

No início de 1930, na França, Portinari conheceu Maria Victória, jovem uruguaia que morava em Paris. Casaram-se e viveram na Europa por mais um ano. Lá ele não pintou quase nada, só andou, observou e aprendeu bastante. De volta ao Brasil, trabalhou como nunca. Pintou diversas telas sobre sua infância e Brodósqui. A obra Café foi pintada nessa época.

Sua principal obra foi deixar gravadas, para sempre, na história e arte do Brasil, pinceladas que buscavam a perfeição sob um ponto de vista muito particular, e o amor à sua gente, suas raízes, sua história.

Imagem Visual - PONTO

Imagem Visual - PONTO

GEORGES SEUTAT nasceu em Paris, em 1859. Quando trabalhava, colocava cores puras como pequenos pontos, um ao lado da outra, diretamente na tela, produzindo assim sensações de novas cores aos olhos do observador. Esta técnica era chamada de pontilhismoporque a obra era composta por meio de pontos ou manchas. Georges Seurat, morreu em Paris, em 1891.

TÉCNICA DO PONTILHISMO - No pontilhismo , as figuras são representadas por pequenos pontos ou manchas coloridas, um ao lado do outro, que se misturam quando mqntemos uma certa distância da obra observada.
O pontilhismo surgiu em 1884, dentro do movimento Impressionista. Nuitos artistas usavam e ainda usam o ponto como elemento de base para a construção de imagens na pintura.
Principais artistas que urilizavam a técnica do pontilhismo: Georges Seurat. Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Paul Signac e Pierre Auguste Renoir.

Utilização dos pontos:

Podemos utilizar o ponto para conseguir diversos efeitos como sombrear, delinear e contornar . O ponto pode ser representado em tamanhos diferentes. Também podemos agrupar pontos de maneira que fiquem mais dispersos ou mais próximos uns dos outros, produzindo resultados bem diferentes. Observe:

sombreado

agrupamento de pontos para dar a sensação de claro e escuro

Delineado
é o mesmo que desenhar com pontos, detalhando a figura.

contornado
é contornar o desenho, fechando a figura
 

TECELAGEM / TEXTURA

TECELAGEM / TEXTURA

 

Atividade de sala em linhas

    Releituras de obras de arte :Atividade de sala em linhas

Releitura da obra "Noite Estrelada" de Van Gogh

"Nascer do Sol"- 

Romero Brito

ROMERO BRITTO, 1963, Recife

“Nasci com um dom, e quero dividir com todos “.

Um dos mais premiados artistas da nossa época. Sua arte contém cores vibrantes e composições ousadas,criando graciosos temas com elementos compostos do cubismo.

É admirado e reconhecido internacionalmente. 

Auo Retrato

FOVISMO

FOVISMO

Nos primeiros anos do século XX, um grupo de artistas, entre eles Henri Matisse (1869-1954), Maurice de Vlamink (1876-1958) e André Derain (1880-1954), passou a usar a cor como o elemento mais importante da obra de arte. Para eles, o desenho, as linhas e a

  perspectiva ficaram em segundo plano, pois vinham como princípio a simplificação das formas e o uso das cores puras, tal como estão nos tubos de tinta.

Henri Matisse chegava a dizer que procurava pintar com a pureza de uma criança ou de um selvagem, que usam a cor apaixonadamente. Em 1905, no Salão de Outono de Paris, o crítico de arte Louis Vauxcelles, ao observar os quadros tão agressivamente coloridos, os chamou de feras (fauves, em francês), dando origem ao termo fovismo.

Os artistas fovistas usavam as cores puras, sem misturá-las, para obter gradações de tons, de maneira instintiva e não intelectual. O fovismo influenciou toda a arte desde o início do século XX até a atualidade.

Cubismo

CUBISMO

No início do século XX, em Paris, Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963) criaram um novo estilo artístico que rompeu com a idéia de arte como imitação da natureza e abandonou as noções tradicionais de perspectiva.

Esses artistas procuravam novas maneiras de retratar o que viam e, influenciados dor Cézanne, passaram a valorizar formas geométricas e s retratar os objetos como se eles estivessem partidos. Todas as partes de um objeto eram representadas num único plano ao mesmo tempo, como se o artista visse esse objeto em vários ângulos simultaneamente. A esse estilo chamamos de cubismo analítico. Nesse estilo, há predominância de poucas cores (preto, cinza e tons de marrom e ocre).

Jarro e o Cântaro - Picasso

Mulher sem camisa sentada

 As mulheres - Picasso

Em algumas obras cubistas, o artista se preocupou tanto em apresentar simultaneamente todos os lados de um objeto escolhido, que, devido à fragmentação excessiva desse objeto, ficou quase impossível reconhece-lo na pintura. Dessa forma, os cubistas criaram o cubismo sintético, que buscou recuperar um pouco a imagem real do objeto tornando as cores mais fortes e as formas mais decorativas. Outra característica do cubismo sintético é a utilização de colagem. Elementos como letras, números, pedaços de jornal, vidros, madeira etc. foram introduzidos nas pinturas.

Três Músicos - Picasso

As obras de Pablo Picasso, foi dividida em três fases:

A fase azul-  

Seu melhor amigo havia morrido e Pucasso sentia-se sozinho e triste. Ao mesmo tempo ninguém comprava suas obras. Ele estava quase passando fome.

Melancólico ele passa a pintar usando tons de azul. O azul às vezes é uma cor muito triste.Todas as personagens dessa fase parecem tristes e solitárias.

O Velho Violinista,1903 Inst. Arte de Chicago, Picasso

A fase Rosa-

A fase azul terminou quando Picasso conheceu uma moça chamada Fernanda. Eles se apaixonaram e logo suas pinturas passaram a ter uma cor mais alegre. Esse foi o início da fase rosa.

Nessa fase, não só as cores mas também os temas de Picasso eram mais alegres. Ele retratou a arte circence, geralmente mostrando os artistas e seus animais. Entretanto, essa fase não durou muito tempo, pois Picasso descobriu uma nova maneira de pintar, diferente e emocionante.

Familia de Saltimbancos, 1905, Galeria Nacional de Arte, Washington, de Picasso

Fase Cubista-

Picasso desnvolve um novo estilo: o cubismo, que consiste em geometrizar as formas. É como se a imagem tivesse sido quebrada em pequenos fragmentos.

 Observe a imagem abaixo é possível distinguir a mulher e o violão. Dá prá descobrir alguma outra coisa?

O Poeta